Por Héctor Andrés Rojas 

Paren la música es la obra con la que el Teatro nacional chileno regresa a la presencialidad luego de un largo silencio provocado por la pandemia del Covid-19. La obra cierra la trilogía del dramaturgo chileno Alejandro Sieveking, quien falleció en marzo de 2020. Es una obra que a pesar de eso puede apreciarse como una pieza teatral independiente. La dramaturgia de Nona Fernández también recuerda la problemática que la autora aborda en su novela Av. 10 de julio Huamachuco, en la que la destrucción de la ciudad por parte de las inmobiliarias borra la memoria material de forma analógica en que se borra la memoria de sus personajes. Esto es lo que ocurre con Gregoria, interpretada por Catalina Saavedra, una envejecida actriz que sigue asistiendo a un café que está siendo demolido, con el objetivo de encontrarse con su biógrafo, Guillermo, quien ya ha fallecido. Esta situación servirá de motivo para el recorrido por la memoria de la actriz, sus recuerdos y formación artística. Ya los maestros de la obra le preguntan si ella era la actriz, a lo que Gregoria en varias ocasiones responde que ella es la actriz, que sigue siendo. No hay separación entre la persona y la artista.

La idea de la obra tiene una doble significación: la obra teatral y la obra de la construcción. Ambas refieren a lo artificial y en alguna medida ambas tienen que ver con la existencia. La actriz envejecida entremezcla los recuerdos de todos esos personajes que interpretó a lo largo de su carrera profesional. Los enumera en varias ocasiones y aunque su memoria tiende al fallo, la emotividad del recuerdo permite que se aferre a los textos que alguna vez interpretó. Por otro lado, la obra en la que se está demoliendo el café al que Gregoria asiste, para construir algo nuevo en ese lugar, también aporta algún sentido sobre la existencia. Los trabajadores comentan que en la obra penan, que al parecer alguien murió en la construcción. El lugar está marcado por recuerdos que conviven con su transformación.

“La marcha es la protesta, la inconformidad, la señal de que el territorio está en disputa. Ese contexto que tanto habla de nuestra historia reciente y presente es el entorno en el que tiene lugar esta historia”

“Vienen los de la marcha”, se enuncia en la parte inicial de la obra. El ruido de las o los marchantes invaden el espacio y aunque no se hacen presentes dentro de la obra, el sonido es la presencia. La marcha es la protesta, la inconformidad, la señal de que el territorio está en disputa. Ese contexto que tanto habla de nuestra historia reciente y presente es el entorno en el que tiene lugar esta historia. La obra que amenaza con demoler el café es erguida como símbolo de la política del olvido, esa que es ingrata con quienes ya envejecidos no sirven para la sociedad del capital. La demolición es el eterno presente de la nación hiperproductiva donde la memoria se rinde una y otra vez ante la fuerza inmobiliaria que impone los nuevos trazos de la ciudad que debe ser siempre más y más productiva.

La memoria de Gregoria es dividida en varios personajes que interpretan distintos momentos de sí misma. De esa forma, la experiencia del espectador se involucra en el complejo entramado de los recuerdos de la actriz. Los recuerdos son visibles en luces, sonidos y ecos de las textualidades recordadas. Las obras que interpretó son su vida. La actriz termina de erguirse en la articulación intertextual de todas las que fue arriba de un escenario.

A pesar del drama contado y de la aparente imposibilidad de luchar contra la obra que deconstruye el recuerdo, Paren la música defiende el tono de comedia. La dirección de Cristián Plana se inclina por reírse de lo trágico y ahí donde podría haber desesperanza surge el relato y así, la vida aparentemente derruida cobra sentido en su introversión. Lo que pasa con los obreros y la construcción pierde presencia en la introversión de Gregoria, en quien se personifica la pregunta por la identidad y el sentido.

Ficha artística

Dirección: Cristián Plana. Dramaturgia: Nona Fernández (título sugerido, referentes y notas por Alejandro Sieveking). Asistencia de dirección: Paulina Moyano. Diseño integral: Claudia Yolin. Asistente diseño integral: Nicole Needham.Diseño sonoro: Damián Noguera. Director de escena: Silvio Maier. Maquillaje: Franklin Sepúlveda. Producción General: Paulina Moyano y Teatro Nacional Chileno (TNCH).   Elenco: Catalina Saavedra, Carolina Paulsen, Carolina Larenas, Guilherme Sepúlveda y Felipe Zepeda. Director de Escena: Silvio Meier. Tramoya: Fernando Boudon. Electricista: Carlos Moncada. Utilero: Camilo Retamal. Sonidista: Joaquín Riquelme.

La obra se presenta entre el 11 y el 28 de agosto, de miércoles a sábado, a las 19:00 horas de forma presencial en la Sala Antonio Varas del Teatro Nacional Chileno ubicado en Morandé #25, Santiago Centro.

Por Héctor Andrés Rojas

Final de partida es una obra escrita por el autor irlandés Samuel Beckett, originalmente publicada en francés en el año 1957, traducida posteriormente al inglés por el mismo autor. Francisco Javier Uriz es quien la tradujo al español. Samuel Becket también es autor de la conocida Esperando a Godot.

“Bajo la dirección de Francisco Martínez Batarce, Final de partida se presenta como una obra apocalíptica en el que parece coincidir el ocaso de la vida de Hamm con el del mundo. Esta obra ha sido leída como una analogía bíblica, pero el trabajo de Martínez sugiere en este montaje una visión más actual”

Comienzo señalando que esta obra recientemente estrenada en el GAM es la primera experiencia de teatro presencial a la que asisto desde que se inició la pandemia a causa del Covid-19. Es importante destacar que hay una serie de medidas sanitarias correctamente implementadas como el control de temperatura, del pase de movilidad y la organización del ingreso al segundo piso, que es donde se presenta la obra. Además, tanto el ingreso como la salida de la sala del teatro se realizan en grupos pequeños para evitar aglomeraciones en la puerta de acceso. Una vez adentro se observa el resguardo de la distancia social con asientos que no se pueden utilizar.

Bajo la dirección de Francisco Martínez Batarce, Final de partida se presenta como una obra apocalíptica en la que parece coincidir el ocaso de la vida de Hamm con el del mundo. Esta obra ha sido leída como una analogía bíblica, pero el trabajo de Martínez sugiere en este montaje una visión más actual. El eje central de la obra es la relación de dominación que se mantiene entre el antiguo amo, Hamm, y su sirviente Clov. Además de eso, ocasionalmente intervienen los padres de Hamm en una presencia que podría entenderse más como el delirio o proyección de un estado senil del protagonista. La puesta en escena nos involucra en esa experiencia y observamos una historia con cuatro personajes, es decir, desde la percepción de Hamm. Distinto es el rol de Clov que parece estar atrapado en una estructura de dominación sin sentido que solo se sostiene en la costumbre: “En mi casa, un día estarás ciego como yo. Una vez en el silencio, en la oscuridad, como yo”. La obra se articula en la diferencias de percepciones: Hamm cree en el fin del mundo mientras que Clov vive el presente. La situación de dominación es la que lo mantiene en ese constante ahora.

La ceguera de Hamm lo lleva a ver a través de Clov a quien manda a mirar hacia el mar. Cuando mira por la segunda ventana, la que da hacia la tierra es descubierto. Hamm sabe lo que quiere que le relaten y ese relato es más lo que solicita ser dicho que un relato exhaustivo de alguna observación. Clov, sometido a las órdenes de su antiguo amo le dice lo que este solicita oír. El resultado de esa relación es que ninguno ve su entorno, ya que la percepción predominante del mundo es la que impone precisamente quien carece del sentido de la vista.

Se trata de una propuesta que trasmite cierta sensación de angustia en un espacio cerrado, sucio, repleto de basura y decadente. Algo de eso se matiza con un tono de comedia aunque la pesadez del relato sobrepasa al humor que se insinúa. Además, se optó por aislar la obra de cualquier contexto situacional. Es un drama que se experiencia en torno a la vejez, la enfermedad y el final de la vida.

“Final de partida es sobre la disputa entre ambas sensibilidades y la codependencia de los personajes. Entre ellos más que una relación afectiva parece haber una rutina, ciclos de días donde se repiten las funciones y las preocupaciones” 

Algo que funciona de forma impecable son los monólogos de Hamm, interpretado por Willy Semler. Son los momentos donde la textualidad de Beckett aparece con menos ruido, lo que además es acompañado con un trabajo de sonido e iluminación que realza la palabra por sobre la puesta en escena. Por su parte Clov, interpretado por Jaime McManus, transita desde la comedia al drama, vive su propio recorrido de aprendizaje. Final de partida es sobre la disputa entre ambas sensibilidades y la codependencia de los personajes. Entre ellos más que una relación afectiva parece haber una rutina, ciclos de días en los que se repiten las funciones y las preocupaciones. La presencia del otro está al nivel de los restos de una vida y de algunos objetos que se guardan sin mayor utilidad: “viejo trapo, a ti te conservo”.

Ficha artística

Dirección y adaptación dramática: Francisco Martínez Batarce. Elenco: Willy Semler, Jaime McManus, Norma Ortíz, Regildo Castro. Diseño escenografía e iluminación: Rodrigo Ruíz. Realización escenográfica: Francisco Sandoval. Diseño vestuario e iluminación: Gabriela Torrejón. Asistente de vestuario: Vanina Vidal Vaccaro. Realización vestuario: Elizabeth Pérez, Bocca al Lupo. Diseño sonoro: Alejandro Miranda. Producción: Alessandra Massardo. Peluquería Francis Le Coiffeur

La obra se presenta en el GAM, Edificio B piso 2, Sala N1. En cartelera entre el 07 y 15 de Agosto de 2021

Por Héctor Andrés Rojas

El GAM estrena Prometeo nacional en formato de radioteatro a través de la plataforma Spotify. Esta búsqueda en contexto de emergencia sanitaria reactiva esta práctica teatral que tuvo su apogeo en la programación radial chilena hacia mediados del Siglo XX. La obra ha sido expuesta años antes en lecturas dramatizadas y también en su puesta en escena en diversos escenarios a lo largo de Chile.

“La migración los confronta a la formación política obrera, que cuando logra ser consciente de su propia explotación y participa de la política nacional, termina por ser oprimida por la fuerza”

La obra, escrita y dirigida por Gisel Sparza Sepúlveda, recurre a herramientas propias de la tragedia griega como el diálogo entre coro y personajes. La musicalización está dirigida por Javiera Hinrichs Deppe, quien además es intérprete junto a Alfonso Esteban Lara. Consiste en una construcción de voces que anuncian y relatan algunos acontecimientos y los acompañan por variaciones políticas del repertorio de música nacional, variaciones de bromas intermedias, como es común en las interpretaciones de cuecas. A esto se suman la propia voz del personaje protagónico y audios de entrevistas. Prometeo nacional hace un uso estratégico de los recursos sonoros y presenta una atractiva experiencia teatral de casi una hora de duración.

La historia presentada en esta apuesta por el radioteatro es la del icónico caso de Sebastián Acevedo Becerra, a quien la CNI le secuestró a dos de sus hijos en plena dictadura militar. Como medida de presión se prendió fuego frente a la catedral de Concepción el día 11 de noviembre de 1983. La realización de Prometeo nacional no se limita al relato de estos terribles acontecimientos, su apuesta más bien lo emparenta en el tratamiento y en su sentido total con la idea de una tragedia. Sebastián parece luchar contra un destino imposible de confrontar, pero que no es encarnado por una caprichosa deidad a la que se le haya insultado, sino que frente a un régimen autoritario que violó sistemáticamente los Derechos Humanos. Siendo así, no logra ocurrir una catarsis en términos aristotélicos que pueda producir algo semejante a la formación ciudadana. El destino es trágico pero no existe una experiencia de aprendizaje para los espectadores, ya que la violencia dictatorial es sobre el terror descubierto.

“¿Cómo se construye un preso político? Prometeo nacional presenta, desde una dolorosa resignación, el relato de cómo en el contexto dictatorial al preso se le construye, les meten armas que luego serán la evidencia para completar la condena en un procedimiento que, viciando el sistema judicial, regulariza la construcción de un delito”

La historia de Sebastián Acevedo es ejemplificadora de la historia nacional. Proviene de una familia en algún lugar de Arauco y se asientan en la zona minera de Coronel en búsqueda del trabajo. La migración los confronta a la formación política obrera, que cuando logra ser consciente de su propia explotación y participa de la política nacional, termina por ser oprimida por la fuerza: “¿Qué ley fue la que rompieron? Los hijos de Prometeo delinquieron robando la carne que estaba destinada solo a los dioses, por eso fueron castigados”. Con esto se completa la relación analógica entre el mito de Prometeo y la fatídica historia de Nicolás Acevedo y sus hijos.

¿Cómo se construye un preso político? Prometeo nacional presenta, desde una dolorosa resignación, el relato de cómo en el contexto dictatorial al preso se le construye, les meten armas que luego serán la evidencia para completar la condena en un procedimiento que, viciando el sistema judicial, regulariza la construcción de un delito. Se trata de la tragedia de la lucha ante la injusticia institucionalizada. La apuesta musical aporta el acompañamiento de los acontecimientos y los vuelve una experiencia de reflexión que incluso recurre a formas del humor, por lo que se ayuda del carácter de denuncia festiva de la música popular: “¿Por qué a Pinochet le decían el Hood Robin?/ Le robaba a los pobres para darle a los ricos”.

Se trata de una obra que ofrece una mirada a la violencia a través de las herramientas de la tragedia clásica y de la música, las que permiten darle forma a una experiencia del dolor y la injusticia difíciles de dimensionar. Prometeo nacional es, por tanto, una apropiación del mito que invita a la conformación de un pensamiento de lo nacional a través del reconocimiento de que quiénes somos es el efecto de una concepción de nación violentada. Sebastián Acevedo, en la voz de Alfonso Esteban Lara, expresa solo haber querido ser padre, haber nacido con vocación de padre, pero el Estado le quitó eso y se convirtió en arte. El brazo armado de la dictadura fue su deux ex machina, que interrumpió el curso de su vida y lo convirtió en historia. Este montaje es también parte de un trabajo de memoria.

Ficha artística

Dramaturgia y dirección: Gisel Sparza Sepúlveda

Dirección musical e intérprete: Javiera Hinrichs Deppe

Intérprete: Alfonso Esteban Lara

Sonidista: Marta Fernández Puentes

Comunicaciones: Paulina Barrenechea Vergara

DISPONIBLE en la en el canal del GAM en la plataforma Spotify